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👱‍♀️ Brigitte Bardot : retour sur six chansons emblématiques, de "La Madrague" à "Harley Davidson"
Six chansons pour se souvenir de BB chanteuse et de sa voix enjôleuse au grain inimitable.

Elle a beaucoup tourné mais elle a aussi beaucoup chanté : Brigitte Bardot, morte dimanche 28 décembre à l'âge de 91 ans, a enregistré plus de soixante-dix chansons au cours de sa carrière. Les plus connues sont signées de Serge Gainsbourg dont elle fut un temps la muse et avec lequel elle eut une aventure torride qualifiée par elle-même d'"immense passion". Comme dans la vie et à l'écran, elle a incarné dans ses chansons une femme libre et affranchie qui "n'a besoin de personne".

"La Madrague" (1963)
"Sur la plage abandonnée, coquillages et crustacés"... Inspirée de la propriété que Brigitte Bardot avait achetée à Saint-Tropez en 1958, cette chanson douce était la préférée de la star issue de son répertoire. Une balade simple et nostalgique sur la fin de l'été, signée de Jean-Max Rivière (paroles) et Gérard Bourgeois (musique), qui est aussi l'une des plus connues de BB. Dans la vidéo ci-dessous, montrée à la télévision française en janvier 1968, l'actrice et chanteuse est filmée par le documentariste François Reichenbach marchant pieds nus sur la plage et autour de son refuge du Var.

"Harley Davidson" (1967)
"Je n'ai besoin de personne en Harley Davidson, je n'reconnais plus personne en Harley Davidson. J'appuie sur le starter, et voici que je quitte la Terre. J'irai peut-être au paradis mais dans un train d'enfer..." En mini-robe de cuir et bottes cuissardes assorties signées Roger Vivier, Brigitte Bardot interprète pour la première fois cette chanson signée Gainsbourg dans un show télévisé à l'automne 1967. Avec ses paroles à double sens qui évoquent l'amour de la chanteuse pour son engin et les sensations que lui procurent "les trépidations de la machine", faisant monter "des désirs dans le creux de ses reins", Bardot a plus fait pour le mythe des motos Harley Davidson que bien des bikers.

"Bonnie and Clyde" avec Serge Gainsbourg (1968)
Écrit par Serge Gainsbourg dont elle était alors la muse, ce morceau est inspiré de l'histoire du couple de braqueurs et criminels Bonnie Parker et Clyde Barrow, qui défraya la chronique aux États-Unis dans les années 1930. Interprété en duo avec Serge Gainsbourg, elle tenant le rôle de Bonnie et lui celui de Clyde, ce tube de pop psychédélique arrangé par Michel Colombier est emblématique du couple éphémère Bardot/Gainsbourg, aussi fusionnel que malheureux (BB était alors mariée à Gunther Sachs). À l'image de l'avant-dernier couplet. Lui : "Un de ces quatre, nous tomberons ensemble. Moi, je m'en fous, c'est pour Bonnie que je tremble." Elle : "Quelle importance qu'ils me fassent la peau. Moi, Bonnie, je tremble pour Clyde Barrow."

"Un jour comme un autre" (1964)
"C'est un jour comme un autre, et pourtant tu t'en vas..." Bien que cette ballade triste et dépouillée à la trompette déchirante figure sur le fameux album Bonnie & Clyde (1968) imaginé principalement par Serge Gainsbourg, sa première version est sortie en single dès 1964 et elle est signée Jean-Max Rivière et Gérard Bourgeois, comme La Madrague. Le clip (à l'époque on disait scopitone) en noir et blanc réalisé par François Reichenbach montre Brigitte Bardot seule sur un Bateau-Mouche voguant sur la Seine en hiver. Lugubre et beau.

"Comic Strip" avec Serge Gainsbourg (1968)
"Viens petite fille dans mon comic strip, viens faire des bulles, viens faire des Wip ! Des Clip ! Crap ! Des Bang ! des Vlop et des Zip !..." Inspirée de la bande dessinée Barbarella de Jean-Claude Forest, une héroïne de science-fiction moderne, libre, indépendante et peu farouche, cette chanson de Serge Gaisbourg est un hommage à la BD pour adulte alors naissante et au type de femme qu'incarne Brigitte Bardot à l'heure de la libération sexuelle. Dans le Brigitte Bardot Show télévisé du 1er janvier 1968, BB chante uniquement des onomatopées mais la star blonde est inoubliable coiffée d'une perruque brune et ondulant dans une combinaison moulante futuriste et une cape à la Barbarella.

"Tu es le soleil de ma vie" avec Sacha Distel (1973)
Écrite et composée par Stevie Wonder sous le titre You Are The Sunshine of My Life, cette chanson solaire et romantique est devenue un classique instantané dès sa sortie en 1972. Elle a aussitôt été reprise en français par Brigitte Bardot et Sacha Distel, un clin d'œil à leur brève aventure sentimentale survenue une quinzaine d'années plus tôt. Un duo devenu mythique l'année même où BB renonça pour toujours au cinéma.

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5 months ago (edited) | [YT] | 29

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Depuis plus de trente ans, Mariah Carey rythme les fêtes de fin d'année et cela ne semble pas près de s'arrêter. Son tube de Noël «All I Want for Christmas Is You» bat le record du plus grand nombre de semaines à la première place du classement des singles

Mariah Carey est définitivement la reine de Noël. Son tube «All I Want for Christmas Is You» vient de battre un record absolu pour un single.

Pour son plus grand bonheur, tout le monde ne se lasse pas de sa chanson de Noël. Mariah Carey vient même de battre le record du plus long règne en tête du Billboard Hot 100, le classement du magazine américain Billboard qui recense chaque semaine les cent meilleures ventes de singles.

«All I Want for Christmas Is You» a officiellement passé sa 20e semaine numéro 1, a fait savoir la publication ce lundi. L’imparable hymne de Noël a ainsi battu le record précédemment détenu par «Old Town Road» de Lil Nas X avec Billy Ray Cyrus, et «A Bar Song (Tipsy)» de Shaboozey, qui étaient restés 19 semaines numéro un.

La diva a célébré ce record, déclarant fièrement «reprendre le flambeau».
Le tube entame dans le même temps sa 77e semaine au classement (en temps cumulé), égalant ainsi «Levitating » de Dua Lipa, jusqu’alors titre d'une artiste féminine resté le plus longtemps dans les charts.

Un duo déjà au sommet
Un résultat qui aurait pu être encore plus impressionnant puisque, initialement parue en 1994 sur l'album «Merry Christmas» de Mariah Carey, «All I Want for Christmas Is You» n'était à l'origine pas éligible au Hot 100, car elle n'avait pas été commercialisée en single. C'est suite à une modification du règlement que la chanson a pu faire son entrée dans le classement des singles en 2000.

A noter que c’est la seconde fois que Mariah Carey atteint la première place du Hot 100. Son duo «One Sweet Day» avec Boyz II Men, sorti en 1995, était resté en tête pendant 16 semaines numéro 1, un record qu’il avait conservé pendant 23 ans. Le remix de «Despacito» de Daddy Yankee et Luis Fonsi, avec Justin Bieber, avait égalé ce record en 2017, et «Old Town Road» l'a finalement surpassé en 2019.

Mariah Carey, qui a sorti son sixième album studio «Here for It All» en septembre dernier, a décidément eu de quoi se réjouir cette année, elle qui a reçu le Video Vanguard Award aux MTV Video Music Awards 2025. Et 2026 s’annonce déjà réjouissante pour la chanteuse qui se produira lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques d'hiver de 2026 à Milan, en Italie.
CNEWS

https://www.youtube.com/watch?v=qJZix...

All I Want For Christmas Is You" : voici la vraie histoire du tube de Mariah Carey !

Chaque année, impossible d'y échapper. Depuis 30 ans déjà, Mariah Carey est la véritable reine de Noël avec "All I Want for Christmas Is You", qui enchaîne les records. Mais comment est né le tube intemporel de la star américaine ? Voici son histoire !

Au moment de lire ces lignes, vous l'aurez probablement écoutée des dizaines et des dizaines de fois - contre ou de votre plein gré ! Impossible d'y échapper. Chaque mois de décembre, lorsque les premiers flocons se posent sur le rebord des fenêtres, Mariah Carey s'impose comme la véritable reine des neiges avec "All I Want For Christmas Is You". Écrite en 1994, sa chanson culte extraite de l'album "Merry Christmas" n'a pas pris une ride depuis sa sortie ! Les chiffres sont là pour le prouver. Depuis quelques semaines, Mariah Carey fait un retour fracassant dans les charts du monde entier : "All I Want For Christmas Is You" a envahi les classements du monde entier, devenant la chanson la plus écoutée en streaming, et a même franchi le cap des deux milliards de streams sur Spotify. Un phénomène qui se produit tous les ans, si bien qu'il a été établi que le morceau, l'un des singles les plus vendus de tous les temps et entré au Guinness des Records, a généré plus de 60 millions de dollars de recettes ! Mais quel est donc le secret de la diva américaine ?

Une naissance à quatre mains
Au delà de l'interprétation sublime de la chanteuse aux cinq octaves, la magie qui émane de "All I Want For Christmas Is You", qui a franchi les 16 millions de ventes aux Etats-Unis, tient avant tout à sa mélodie. Mélange de pop et de chant traditionnel, symbolisant l'hiver avec ses carillons, ses cloches et son xylophone, elle a été composée par Walter Afanasieff. L'homme est loin d'être un inconnu : c'est à lui que Mariah Carey doit certains de ses plus grands tubes comme "Hero", "One Sweet Day" ou "Butterfly". En 1994, il se lance avec sa protégée le pari de sortir un album de Noël, un genre à l'époque retombé en désuétude. C'est ainsi qu'au mois de juin, la paire s'envole dans une maison louée des Hamptons et s'attèle à l'écriture d'une poignée d'inédits. Pleine d'enthousiasme, Mariah Carey remplit la pièce de guirlandes et de décorations de Noël pour les mettre dans le bon état d'esprit ! Encouragé par Tommy Mottola, à l'époque manager et époux de la popstar, le tandem a l'idée de proposer un titre festif dans la lignée du hit de 1963 "Christmas (Baby Please Come Home)", interprété par Darlene Love.

« J'avais déjà écrit la quasi-totalité de la chanson, et nous avons travaillé sur le pont et nous l'avons produite ensemble » s'est souvenue Mariah Carey, en racontant la naissance de "All I Want for Christmas Is You" à Entertainment Weekly : « J'ai écrit le début et le milieu sur mon clavier (...) dans une pièce toute seule. Je me suis mise à penser à toutes les choses à propos de Noël et au fait de grandir comme un enfant qui aime Noël ». En 15 minutes, les paroles étaient faites ! Lorsque la chanteuse apporte le fruit de son travail à Walter Afanasieff, et tente un premier essai, ce dernier est d'abord... dubitatif. « Ma première réaction a été de dire "On dirait quelqu'un qui fait des vocalises... Tu es sûre que c'est ce que tu veux ?" » racontera-il en 2013. Mais Mariah Carey persiste et signe. Et une poignée d'heures plus tard, la chanson prend enfin forme : « Elle chantait la mélodie, je rectifiais un accord... C'était comme du ping-pong, jusqu'à ce qu'on la tienne ».

Afanasieff retourne alors en Californie pour faire enregistrer le titre par un groupe de musiciens... sans succès. D'après lui, personne ne réussit à capturer l'essence même de la chanson ! Il finit donc par s'occuper de l'intégralité de la production tout seul : les notes de piano, la batterie, les synthétiseurs, le triangle, les effets... Tout est réalisé par lui-même. Et quand "All I Want For Christmas Is You" envahit les ondes cinq mois plus tard, il n'imagine pas à seul instant avoir donné naissance à un futur classique : « Je me disais juste "Oh cool, j'ai une autre chanson à la radio ! ». Selon lui, si la chanson est parvenue à traverser les générations, c'est parce qu'elle parle... d'amour. « Il n'y a pas de formule secrète » assure-t-il. Juste un ingrédient peut-être : la voix « angélique » de Mariah Carey...

#MariaCarrey #ItsTime #AlliWantForChristmasIsYou



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5 months ago (edited) | [YT] | 25

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Google annonce une nouvelle IA pour créer des chansons avec les voix d'artistes connus sur YouTube
Les voix de chanteurs comme Charlie Puth, Sia, T-Pain ou John Legend seront accessibles. Cette intelligence artificielle générative sera d'abord limitée à un groupe restreint d'utilisateurs sélectionnés.

Créer ses propres chansons avec la voix de Sia, Charlie Puth ou Demi Lovato – rapidement et légalement ? Cela pourra bientôt être possible sur YouTube : Google a annoncé le lancement d'une nouvelle intelligence artificielle générative capable de créer de la musique, y compris avec les voix d'artistes renommés, le 16 novembre dans un post de blog.

Comme avec ChatGPT pour le texte ou Midjourney pour les images, Lyria est présentée comme une IA capable de générer des mélodies complexes et cohérentes à partir de descriptions simples (style musical, instruments, effets, etc.) Mais Google explique qu'elle peut aussi créer de courtes chansons de A à Z avec les voix de véritables chanteurs, avec lesquels l'entreprise a travaillé en collaboration.

De quoi favoriser la création de deepfakes ? Google assure que les créations de son IA seront identifiables pour ne laisser aucun doute, grâce à une signature audio "inaudible" et conçue pour "rester détectable même en cas de modifications communes comme l'ajout de bruit ou la compression MP3". L'outil sera aussi limité à "un nombre limité de créateurs" dans un premier temps.

Cette présentation arrive juste après l'annonce de nouvelles règles concernant les deepfakes sur YouTube : la plateforme veut obliger les créateurs à signaler les contenus artificiels "réalistes" comme tels, et autoriser les ayants-droit à demander la suppression des deepfakes. Un enjeu important notamment pour l'industrie musicale (avec laquelle Google explique avoir travaillé "en étroite collaboration"), après la multiplication de "reprises" non autorisées qui appliquent sur une chanson la voix d'autres chanteurs grâce à des IA génératives.

https://youtu.be/1gjuHUy0IMM

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2 years ago | [YT] | 44

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Now and Then, une nouvelle chanson des Beatles dévoilée 54 ans après, grâce à l'intelligence artificielle !

Les Beatles sortent, ce jeudi 2 novembre, la dernière chanson enregistrée par John Lennon et mixée à l'aide de l'intelligence artificielle.

Now and Then réunit une dernière fois le groupe mythique de Liverpool, 53 ans après sa séparation. En France, la sortie du titre est attendue à 15H00. Sur le magasin en ligne du groupe, où le titre se décline à l'envi, certains supports proposés en précommande, vinyle ou cassette, sont déjà en rupture de stock.
Ultime chanson des Beatles

"C'est probablement la dernière chanson des Beatles, et on joue tous dessus, c'est un véritable enregistrement de Beatles", déclare Paul McCartney, 81 ans, dans un court documentaire vidéo mis en ligne mercredi soir, qui retrace la genèse du morceau et permet d'entendre un aperçu de Now and Then. "C'est la dernière chanson des Beatles, écrite et chantée par John Lennon, développée et travaillée par Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr, et enfin achevée par Paul et Ringo plus de quatre décennies plus tard", résume la présentation du morceau.

Le titre est né d'une maquette enregistrée dans les années 1970 par John Lennon dans son appartement new-yorkais. Après son assassinat en 1980, sa veuve Yoko Ono avait remis en 1994 la bande, avec voix et piano, aux autres membres du groupe. Les techniques alors disponibles ne permettant pas d'extraire la voix de John Lennon avec une qualité suffisante, le morceau était resté dans les cartons.

Un titre ressuscité grâce à l'intelligence artificielle

Tout a basculé avec la série documentaire Get Back, réalisée en 2021 par Peter Jackson. Le réalisateur de la trilogie du Seigneur des Anneaux avait alors extrait la voix de Lennon d'une cassette en la séparant du piano, aidé par les nouvelles technologies utilisant l'intelligence artificielle. "On s'est retrouvé avec la voix de John, claire comme du cristal", a expliqué Paul McCartney, cité dans un communiqué annonçant la sortie de ce titre.

À la maquette originale ont été ajoutés des enregistrements de guitare électrique et acoustique par George Harrison datant de 1995, avant son décès en 2001. La chanson a été terminée l'année dernière dans des studios de Los Angeles, mêlant les batteries de Ringo Starr, le piano et la basse de Paul McCartney, et les voix des deux Beatles vivants.

"C'était très émouvant pour nous tous. C'est comme si John était parmi nous", a raconté Ringo Starr, 83 ans.
Tout est authentique

En avril 1970, six mois après la sortie de l'album Abbey Road et un mois avant celle de Let it be, les Beatles avaient annoncé leur séparation. Les dix ans de collaboration de Paul McCartney, John Lennon, George Harrison et Ringo Starr ont produit 14 albums best-sellers, près d'un milliard de disques vendus et donné lieu au tournage de plusieurs films. Malgré la mort de Lennon en 1980 et celle d'Harrison en 2001, la "Beatlemania" reste vivace à travers le monde et les possibilités offertes par l'intelligence artificielle (IA) ont déjà inspiré des tentatives de fans de les réunir, ou de revisiter les dernières œuvres de Paul McCartney avec sa voix de jeunesse.

À l'occasion d'une interview à la BBC en juin dernier, McCartney avait révélé la préparation de cette chanson inédite. "Nous en sommes venus à faire ce qui sera le dernier enregistrement des Beatles, c'était une maquette de John à partir de laquelle nous avons travaillé", avait-il expliqué. "Rien n'a été créé artificiellement ou de manière synthétique, tout est vrai. (...). Nous avons nettoyé certains enregistrements", avait-il par la suite insisté.

L'existence de la maquette était connue et Paul McCartney n'avait pas caché vouloir donner au morceau une nouvelle vie. Mais il avait toujours expliqué que le projet n'avait pas abouti en raison de l'opposition de George Harrison qui ne l'aimait pas. Après Now and Then, les deux compilations rouge 1962-1966 et bleue 1967-1970 vont être rééditées dans une version augmentée le 10 novembre.

https://youtu.be/MCcqTsScclg

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Skip the Carousel

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2 years ago | [YT] | 44

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Pourquoi ou presque tous les albums sortent-ils le vendredi ?

Une harmonisation a été décidée en 2015 par la Fédération internationale de l'industrie phonographique pour offrir plus de lisibilité aux consommateurs. Les artistes en tirent aussi profit.

Vous ne le savez peut-être pas mais depuis plusieurs années, une harmonisation a eu lieu au niveau mondial pour que les dizaines de nouveaux albums attendus chaque semaine soient disponibles le même jour : le vendredi, juste avant le week-end.

Que vous soyez plutôt fan du rappeur Hornet La Frappe ou que vous suiviez la carrière du Marseillais Kid Francescoli, tout en gardant un œil attendri sur la carrière de Kylie Minogue, sachez que tous ces artistes sortent leur nouvel album vendredi 22 septembre. Ils sont disponibles depuis minuit sur toutes les plateformes et dans vos magasins préférés comme des dizaines d'autres projets moins médiatiques.

Harmoniser les sorties au niveau mondial
Mais cela n'a pas toujours été aussi lisible. Avant 2015, les nouveautés sortaient en général le lundi, alors que les États-Unis privilégiaient le mardi. L'harmonisation est venue d'en haut, d'une décision de la Fédération internationale de l'industrie phonographique (IFPI), dont est membre le Syndicat national de l'édition phonographique (Snep) et son directeur général, Alexandre Lasch. "C'était frustrant pour le consommateur de voir que le voisin avait une date de sortie antérieure et qu'il pouvait accéder au nouvel album de son artiste préféré quelques jours avant lui-même", estime-t-il.

"On sait tous que les sorties cinéma c'est le mercredi. Se dire que le vendredi c'est la musique, cela offre une vitrine intéressante."

Clarisse Arnou, label Yotanka à franceinfo
Cette harmonisation le vendredi permet aussi d'éviter que des albums sortis plus tôt ailleurs dans le monde ne soient piratés et mis en ligne illégalement avant la date de sortie officielle. Cela permet donc de simplifier les classements. "Il faut aussi rappeler que les plateformes mettent à jour leur playlist éditoriale le vendredi, explique Clarisse Arnou, gérante du label indépendant Yotanka. Cela détermine en partie la vie des labels et des sorties. Les actes d'achats d'albums en physique se concentrent souvent sur le week-end, notamment sur le samedi. Donc il est plus intéressant d'être sur le vendredi que sur le lundi, comme auparavant."

Pas d'obligation à attendre le vendredi
Une précision importante : personne n'est obligé d'attendre le vendredi. Les superstars de la musique s'affranchissent largement de ces règles, comme beaucoup d'artistes plus confidentiels, histoire de sortir de la masse, même si "tout le monde y trouve son intérêt y compris les artistes émergents", selon Alexandre Lasch du Snep. "Vous faites partie de l'actualité musicale donc vous bénéficiez de l'exposition des gros projets qui sortent en même temps que vous", explique-t-il.

Toutefois, cela n'empêche pas les périodes de surabondance de sorties, surtout à la rentrée et quelques semaines avant Noël, qui elles sont néfastes pour tout le monde.

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2 years ago | [YT] | 47

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Streaming musical : Universal et Deezer s'accordent pour créer un nouveau modèle de rémunération des artistes

Aujourd'hui, l'abonnement des utilisateurs de plateformes de streaming sert en majorité à rémunérer les artistes les plus écoutés. Le nouveau modèle proposé par Universal et Deezer serait centré sur les écoutes individuelles des abonnés pour une rémunération des artistes plus équitable

Universal Music Group (UMG) et la plateforme de streaming musical française Deezer annoncent ce mercredi un futur "modèle" conçu "pour mieux rémunérer les artistes", prévu en France au quatrième trimestre 2023 avant d'autres marchés. "La collaboration pour lancer un modèle centré sur l'artiste est motivée par le fait que les deux entreprises reconnaissent que le modèle actuel de streaming musical doit être réimaginé", écrivent-ils dans un communiqué commun.



Un modèle centré sur les artistes
Aujourd'hui, un abonné, qui paye autour de 10 euros mensuels sur une plateforme de streaming musical et n'écoute pas les musiciens en haut des charts, voit la majeure partie de cette somme migrer vers d'autres artistes beaucoup plus "streamés". C'est le "market centric" (au prorata des écoutes totales).



L'accord entre Universal et Deezer s'approche d'un modèle appelé "user centric", théorisé par ses défenseurs comme celui centré sur les écoutes individuelles des abonnés. Deezer présente ce futur modèle de rémunération avec Universal sous le nom d'"artist-centric". La plateforme française veut ainsi se focaliser sur les "artistes professionnels (qui ont au minimum 1 000 streams par mois avec au moins 500 auditeurs uniques), afin de les rémunérer plus équitablement".



"Le but du modèle artist-centric est (...) de veiller à ce que nous soutenions et récompensions mieux les artistes à tous les stades de leur carrière, qu'ils aient 1 000, 100 000 ou 100 millions de fans", déclare Michael Nash, responsable digital d'UMG dans le communiqué. Jeronimo Folgueira, directeur général de Deezer, ajoute : "Il n'existe aucun autre secteur où tous les contenus ont la même valeur, et il devrait être évident pour tout le monde que les bruits de pluie ou de machine à laver (référence à des playlists ambiance, NDRL) n'ont pas la même valeur qu'une chanson de votre artiste préféré diffusée en haute qualité".

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2 years ago | [YT] | 45

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Jane Birkin et Serge Gainsbourg : une idylle amoureuse et musicale
>> https://youtu.be/BFY0L2klW8Y


Le couple formé par Jane Birkin et Serge Gainsbourg a aussi donné lieu à une collaboration artistique fructueuse et produit parmi les meilleures œuvres du compositeur français.

Jane Birkin s'est éteinte dimanche 16 juillet à l'âge de 76 ans, a appris franceinfo auprès de l'attaché de presse Fabien Lecœuvre, proche de la famille. Birkin-Gainsbourg, le couple, mythique, était aussi un duo artistique.

Quand Jane Birkin rencontre Serge Gainsbourg en 1968 sur le tournage du film Slogan de Pierre Grimblat, elle vient de se séparer du compositeur anglais John Barry. Actrice ayant débuté en Angleterre en 1964, elle est déjà une figure du Swinging London et a même fait une apparition dénudée et fortement remarquée dans Blow Up de Michelangelo Antonioni. Le couple qu'elle va former pendant une dizaine d'années avec l'auteur-compositeur-interprète français débute tout naturellement par un scandale.

Le goût du fruit défendu
En cette fin des années soixante, la libération sexuelle s'affiche dans la majorité des arts et les textes de Serge Gainsbourg sont très souvent parsemés d'allusions scabreuses. Après Les sucettes chantées par France Gall en 1966, l'auteur écrit Je t'aime... moi non plus pour Brigitte Bardot en 1967, avec qui il entretient une courte mais intense liaison. Ils enregistrent ensemble la chanson en décembre, mais l'actrice lui demande ne pas la publier car elle est alors mariée à Gunter Sachs. Bardot quitte Gainsbourg, et ce dernier réenregistre Je t'aime... moi non plus en 1969 avec sa nouvelle conquête Jane Birkin.

>> https://youtu.be/JIQiGN-vO-g

L'évocation d'une relation sexuelle qui n'est pas dans la norme de l'époque choque l'opinion publique à tel point que sur la couverture d'origine du 45 tours figure la mention "Interdit aux moins de 21 ans". La pochette est toutefois modifiée lors de la commercialisation du disque sous le label Fontana à la place de celui de Philips. Le titre de la chanson deviendra celui d'un film en 1975, réalisé par Gainsbourg avec Jane Birkin dans le rôle principal.

Cette même année 1969, le trublion de la chanson française la juge "érotique", dans le deuxième morceau qu'il offre à sa nouvelle dulcinée. Jane Birkin est propulsée au sommet des hit-parades avec ces deux titres sulfureux, et sa voix caractéristique instantanément reconnaissable. Un chant frêle et presque enfantin qui tranche avec les mots souvent crus des textes de Gainsbourg.

>> https://youtu.be/0HhitAUML4A

La muse et son pygmalion
L'idylle entre eux deux devient rapidement passionnée et s'annonce comme bien plus qu'une simple amourette. Même s'ils ne savent pas encore qu'ils vont vivre pendant plus de dix ans ensemble et avoir une fille, Jane et Serge s'affichent comme le couple en vogue du moment. Un couple à la ville, mais aussi artistique. Après avoir écrit Initials B.B. pour Bardot, le poète irrévérencieux signe Jane B pour celle qui partage dorénavant sa vie. Le thème musical est largement inspiré par le Prélude en Mi mineur Opus 28 no 4 de Frédéric Chopin.

>> https://youtu.be/6-3phtJB_fc

Jane Birkin devient la nouvelle muse d'un Gainsbourg qui va connaitre selon certains sa période la plus inspirée.

Concept-albums et poésie
La décennie 70 marque une étape importante dans la carrière de Serge Gainsbourg. Il enregistre quatre albums "concept" dont le premier avec la participation de Jane Birkin : Histoire de Melody Nelson qui sort en 1971 est souvent jugé comme l'œuvre majeure du compositeur français. Le disque est aussi associé à Jane Birkin, essentiellement pour sa pochette iconique car la chanteuse n'intervient que très peu, se contentant de dire le nom de son personnage, ou n'émettant que quelques rires, gloussements et petits cris.

Sans même chanter, Jane Birkin devient ainsi l'incarnation d'un personnage mythique dans l'univers gainsbourgien. Sa photo d'elle à moitié nue tenant une peluche dans les bras rappelle que la sortie de l'album en mars 1971 précède de peu la naissance de Charlotte en juillet de la même année. Avec cette pochette, Jane fusionne l'image de mère et d'icône pop.

Deux ans plus tard, ce sont ses pleurs que l'on entend sur le célèbre Je suis venu te dire que je m'en vais, dont les paroles font référence à Chanson d'automne, poème de Paul Verlaine. Pourtant ce morceau, Gainsbourg ne l'adresse pas à Jane Birkin, mais à Françoise-Antoinette Pancrazzi, sa seconde épouse et mère de ses deux premiers enfants. Il écrit ce texte en 1973, après un infarctus qui le pousse à une hospitalisation. Malgré tout, cette chanson restera longtemps associée à Jane Birkin qui la reprendra sur scène après le disparition en 1991 de son pygmalion. Elle devient même le titre de son spectacle-hommage qu'elle présente lors de sa tournée en 1992.

>> https://youtu.be/5hyoU3NGgY4

Un couple qui enchaîne les tubes
Leur collaboration artistique ne se limite pas aux apparitions furtives de l'actrice-chanteuse sur les disques de l'auteur-compositeur-interprète. En parallèle de sa carrière au cinéma, Jane Birkin enregistre plusieurs albums en solo dans les années 70 : Di Doo Dah en 1973 et Ex fan des sixties en 1978 tout deux entièrement écrits et composés par Serge Gainsbourg, et Lolita Go Home en 1975 qui mêle musiques de Gainsbourg, textes de Philippe Labro, et reprises de standards américains. De ces trois disques, on retiendra surtout le morceau le plus connu Ex fan des sixties qui évoque le destin de chanteurs et musiciens des années 1960, parmi lesquels Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Brian Jones, Eddie Cochran, Buddy Holly, Otis Redding...

>> https://youtu.be/tXvgdtbzNyc

Les seventies ne sont pas avares en provocations sulfureuses, et en même temps qu'elle partage le lit de Brigitte Bardot dans son dernier film Don Juan 1973, Jane Birkin continue les duos torrides avec son compagnon comme par exemple La décadanse, un morceau issu de la bande originale du film de Claude Berri Sex Shop, qui sort en 1972.

Et Je t'aime... moi non plus devient un film en 1975, avec une chanson que Gainsbourg écrit pour Birkin : La Ballade de Johnny Jane et sa ritournelle entêtante au piano reste encore aujourd'hui une des plus connues du répertoire de la chanteuse. Dans cette émission à la télévision allemande en 1977, Gainsbourg accompagne discrètement au piano sa dulcinée qui prend les feux de la rampe en affichant un look androgyne.

>> https://youtu.be/-MWvbcJ8Tug

Des albums en commun même après la séparation
Jane quitte Serge en septembre 1980 en évoquant l'alcool, le mode de vie et des coups qu'elle a reçus. Elle rencontre le cinéaste Jacques Doillon avec qui elle restera 12 ans et aura une fille Lou, dont Gainsbourg sera le parrain. Toutefois, elle n'interrompt pas pour autant sa collaboration artistique avec son ex-mentor qui lui signe trois albums : Baby Alone in Babylone en 1983, Lost Song en 1987 et Amours des feintes en 1990. Il réalise même le clip du morceau-titre du troisième disque, où Jane erre dans un couloir en spirale tapissé de reproductions de L'infante peinte par Diego Vélasquez.

>> https://youtu.be/rkaHd7dBvzE

La poursuite de ces échanges artistiques témoigne de la tendresse que Jane avait gardé pour Serge. Une tendresse qu'elle exprimera à nouveau en 1996, cinq ans après le décès de son ex-compagnon, en sortant un album exclusivement constitué de reprises de chansons sur lesquelles elle ne chantait pas à l'origine. Sa version de La Gadoue avec le groupe Les Négresses Vertes a connu un fort succès cette année-là.

>> https://youtu.be/2vYlj4QeRvw

Longtemps encore après la disparition du musicien, sa muse a tenu à perpétuer son œuvre, notamment sur scène. La scène qu'elle n'a finalement débuté qu'en 1987 au Bataclan. Auparavant elle avait seulement enregistré des disques. Mais ses concerts ont toujours été émaillés de reprises de chansons de son pygmalion. Et on peut dire que la carrière de Charlotte Gainsbourg a en quelque sorte concrétisé l'héritage artistique du couple Birkin-Gainsbourg. Un couple-duo assez unique dans l'histoire de la chanson française.

www.francetvinfo.fr/culture/musique/chanson-franca…

#JaneBirkin #SergeGainsbourg
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2 years ago (edited) | [YT] | 49

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Super Bowl 2023 : après six ans d'absence, Rihanna est revenue sur scène pour un show monumental
La chanteuse, qui a affiché un ventre largement arrondi, a annoncé peu après son concert dimanche soir qu'elle était de nouveau enceinte.

Rihanna en majesté. La chanteuse des Barbades a régalé le public de ses tubes, dimanche 12 février, à la mi-temps du Super Bowl. Très attendue, six ans après son dernier concert, l'artiste de 34 ans est apparue en lévitation sur une plateforme suspendue au-dessus du terrain du State Farm Stadium de Glendale (Arizona), où se jouait la finale du championnat professionnel de football américain (NFL).


Celle qui a pris la pop mondiale par surprise il y a près de 18 ans avec son premier tube imparable, Pon de Replay, a enchaîné quelques-uns de ses 14 titres numéro un aux Etats-Unis, dont Work, We Found Love, Umbrella ou encore Diamonds.


Vêtue d'une combinaison rouge et d'un manteau assorti, Rihanna évoluait au milieu de plusieurs centaines de danseurs, tous habillés en combinaison blanche intégrale, certains sur des plateformes surélevées, d'autres sur le terrain même.

Plus que la liste des chansons ou la chorégraphie, les fans ont surtout commenté le physique de Rihanna, dont la tenue moulante laissait entrevoir son ventre arrondi. La chanteuse a annoncé, après son concert, qu'elle était effectivement de nouveau enceinte.

Rihanna et le Français DJ Snake sur la scène du Super Bowl dimanche
Rihanna, qui a mis sa carrière musicale entre parenthèses ces dernières année, doit faire son retour sur scène dimanche 12 février à la mi-temps de la grande messe du football américain, événement le plus regardé à la télévision chaque année aux États-Unis. DJ Snake assurera le show avant le début de la finale.

Les plus grandes stars mondiales comme Prince, Bruce Springsteen, les Rolling Stones ou encore Beyoncé ont déjà participé à l'événement. Dimanche soir, il n'y aura pas que Rihanna comme superstar de la musique au Super Bowl - opposant les Chiefs de Kansas City aux Eagles de Philadelphie qui tenteront de gagner cette finale du championnat de ligue professionnelle de football américain. DJ Snake assurera, lui aussi, le show avant le début de la finale du championnat de football américain, évènement sportif le plus regardé à la télévision chaque année aux États-Unis.


"C'est important pour une question de représentativité"


Quatre ans après avoir refusé de se produire lors du Super Bowl en signe de protestation contre le traitement des questions raciales par ses organisateurs, Rihanna y donnera finalement de la voix afin de "représenter les femmes noires".



La chanteuse aux neuf Grammys, l'équivalent des Oscars de la musique aux États-Unis, montera sur scène à l'entracte du match. "Le Super Bowl, est l'une des scènes les plus importantes au monde. Aussi effrayant que cela puisse être, comme je n'ai pas été sur scène depuis sept ans, il y a quelque chose d'exaltant dans ce défi", a-t-elle expliqué lors d'une présentation officielle. "Il est important pour moi de faire cela, cette année. C'est important pour une question de représentativité. C'est important que mon fils voie cela", a-t-elle ajouté.



L'artiste de la Barbade, qui a donné naissance à son premier enfant en mai, n'a en effet pas fait de concert depuis 2016. En 2019, elle avait annoncé avoir refusé l'opportunité de chanter à cet événement en solidarité avec Colin Kaepernick, alors l'une des stars montantes de la NFL qui avait manifesté contre le racisme et les violences policières en s'agenouillant lors de l'hymne national avant les matchs.



Rihanna n'a pas tenu de conférence de presse avant le Super Bowl mais a été interviewée par un présentateur d'Apple Music, sponsor de l'événement. Selon la chanteuse, le concert reflétera ses racines caribéennes. "C'est en grande partie pour ça que c'est important pour moi de faire ce show : la représentativité. Représenter les immigrants. Représenter les femmes noires partout. C'est crucial pour les gens de voir les possibilités (qui s'offrent à eux)", a-t-elle souligné.



DJ Snake et ses 37 milliards de streams
Avant d'être l'une des plus grosses têtes d'affiche de la musique mondiale, DJ Snake est William Grigahcine, de son vrai nom. Né à Paris d'une mère algérienne et d'un père français, tôt, c'est avec le film de Mathieu Kassovitz "La Haine" (1995) qu'il va affiner sa passion pour la musique. Il arrête l'école à 17 ans pour s'y consacrer et dans le même temps, anime une émission de radio et mixe dans des clubs parisiens.



Dans le courant des années 2010, il parvient à mettre son nom sur des tubes de stars américaines : Shut it Down en 2009 de Pitbull et Akon ou Government Hooker présent sur l'album Born This Way, qui a propulsé Lady Gaga. En 2012, le son Turn Down for What, en duo avec Lil Jon, s'impose comme un phénomène mondial. Il est même détourné par Michelle Obama, alors Première dame des États-Unis, dans un clip de campagne pour promouvoir une alimentation saine.



En 2016, Encore, son premier album solo, est un succès immédiat. On y retrouve des collaborations dont une avec la star américaine du rap Travis Scott ou celle de la pop Justin Bieber. Trois ans plus tard sort Carte Blanche, son deuxième album. Là encore, les collaborations sont au rendez-vous : des stars américaines Cardi B ou Selena Gomez (le tube Taki taki, 2,4 milliards de vues) au pop stars latinos Ozuna ou encore J Balvin (Lean on, autre mégatube).



À chaque fois, il mélange les genres, passe de l'électro à la pop sans oublier des tonalités plus latinos. Incontournable, l'artiste cumule plus de 37 milliards d'écoutes sur les plateformes de streaming. Son dernier projet "Disco Maghreb" - du nom de l'emblématique maison de disques d'Oran, ville algérienne du raï - est un hommage à cette musique et au pays de sa mère. Pour l'occasion, l'artiste y fredonne quelques mots en arabe dialectal.

Chantre d'une France multiculturelle, l'artiste de 36 ans a souvent revendiqué son chauvinisme : "On a un petit pays qui a un impact énorme sur le monde, à plein de niveaux. On n'est pas assez fiers (...)", avait-il déclaré sur France Inter en 2021.

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🎹 Burt Bacharach : dix classiques qui ont contribué à la bande-son pop du XXe siècle
Burt Bacharach, l'un des compositeurs de chansons à succès les plus prolifiques du XXe siècle, est mort à 94 ans. Tout le monde a au moins une, deux, voire trois de ses chansons en tête sans même savoir qu'elle est signée Bacharach... La preuve en dix titres.

Ses chansons ont forgé la bande-son pop de plusieurs générations. Burt Bacharach, dont la mort a été annoncée jeudi 9 février, a composé certaines des mélodies les plus populaires du XXe siècle, enrichies pour la plupart par les mots du parolier Hal David avec lequel il a formé un duo de légende. Petit tour d'horizon en dix chansons du pianiste, compositeur et arrangeur américain, plus un bonus...

Raindrops Keep fallin' on My Head (1969)
https://youtu.be/_VyA2f6hGW4

Cosignée avec le parolier Hal David, Raindrops Keep Fallin' on My head est la chanson-phare de la bande originale du film Butch Cassidy et le Kid (1969) du réalisateur George Roy Hill. Cette bande originale et sa chanson principale interprétée par B.J. Thomas (mise en valeur dans une superbe séquence de promenade en vélo avec Paul Newman et Katharine Ross) ont valu deux Oscars à Burt Bacharach. En France, la chanson a été adaptée par le parolier Maurice Tézé et interprétée par Sacha Distel sous le titre Toute la pluie tombe sur moi (1970).

I Say a Little Prayer for You (1967)
https://youtu.be/7Ifw8JhDBvs

Ce classique du tandem Bacharach-Hal a été écrit pour la chanteuse Dionne Warwick, interprète fétiche du duo, en pleine guerre du Vietnam. La prière est celle d'une femme qui craint pour la vie de son compagnon parti se battre, rappelle Laurent Valero dans l'émission Repassez-moi l'standard, sur France Musique. Succès de l'année 1967, la chanson a été reprise par de très nombreux artistes, aux États-Unis et dans le monde entier. Mais la version la plus illustre, spectaculaire et indétrônable, est celle enregistrée par Aretha Franklin en 1968.

(They Long to Be) Close to You (1970)
https://youtu.be/-XYBj0J99i8

"Pourquoi les oiseaux surgissent-ils soudain, dès que tu es à proximité ? Tout comme moi, ils aspirent à être près de toi. Pourquoi les étoiles tombent-elles du ciel dès que tu passes ? Tout comme moi, elles aspirent à être près de toi..." La mélodie intimiste de Burt Bacharach, les mots poétiques de Hal David et la voix incomparable de la regrettée de Karen Carpenter, chanteuse des Carpenters, font de cette chanson un monument pop. Avant cette version de référence enregistrée en 1970, d'autres artistes ont gravé Close to You dans les années 60, parmi lesquels l'acteur Richard Chamberlain, Dusty Springfield et bien sûr Dionne Warwick. Côté jazz, en 1971, Frank Sinatra enregistrera sa propre version, puis la grande Carmen McRae, le pianiste Erroll Garner... Côté pop, les Cranberries reprendront la chanson, parmi de très nombreux autres interprètes.

The Look of Love (1967)
https://youtu.be/mbaySb6HXqs

Créé par la chanteuse Dusty Springfield pour sa version avec les paroles, The Look of Love (1967), toujours cosigné Bacharach-David, figure dans la bande originale du film Casino Royale (1967), parodie de James Bond. La première version, instrumentale, a été enregistrée par le saxophoniste Stan Getz en 1966. Avec son tempo suave et sensuel, ce thème voyagera allègrement à travers les genres musicaux, du jazz à la bossa nova, de la pop à la variété française... Parmi les innombrables versions enregistrées, figurent celles des Four Tops, de la chanteuse et pianiste de jazz Diana Krall, mais aussi de Mireille Mathieu sous le titre Les Yeux de l'amour (elle l'a même chanté en duo avec Dusty Springfield en 1970).

Walk on By (1964) https://youtu.be/bpoBISzUP4o

Coécrite par Burt Bacharach et Hal David pour Dionne Warwick, ce classique sorti en avril 1964 figure parmi les succès emblématiques de la chanteuse américaine. On n'en compte plus les reprises à travers le monde, par Isaac Hayes et l'Italienne Mina pour des versions longues, ou encore par les Beach Boys pour une version fascinante, restée longtemps inédite, sans oublier les Stranglers...

What's New Pussy cat (1965) https://youtu.be/YG1c3Oasifc

Tube fétiche du chanteur gallois Tom Jones, cette chanson de Bacharach et Hal figure dans la bande originale du film du même titre, une comédie réalisée par Clive Donner. Par la suite, des artistes comme Quincy Jones (en version instrumentale), Bobby Darin, mais aussi le rappeur Wyclef Jean, ont revisité à leur manière ce titre percutant et humoristique.

Don't Make Me Over (1962) https://youtu.be/dDblF-J6qvY

C'est le premier grand succès en solo de Dionne Warwick, qui chantait auparavant dans des formations de gospel et au sein des Drifters. Repérée au sein des chœurs de ce dernier groupe par Burt Bacharach, la jeune Dionne Warwick, alors âgée de 21 ans, se voit offrir l'opportunité d'enregistrer un album majoritairement coécrit par Bacharach et David, Presenting Dionne Warwick, sorti en février 1963. La chanson Don't Make Me Over a été lancée avec succès quelques mois plus tôt, en octobre 1962.

What the World Needs Now is Love (1965) https://youtu.be/XieZAjBTkr4

Autre sommet de ballade pop du tandem Hal-Bacharach, What the World Needs Now is Love est créé par la chanteuse Jackie DeShannon en 1965. Derrière sa douceur apparente, la chanson cache un sous-texte relatif à la Guerre du Vietnam. Au fil du temps, le titre sera repris par Dionne Warwick et, beaucoup plus tard, par Cat Power.

That's What Friends Are For (1982) https://youtu.be/HyTpu6BmE88

Coécrite par Burt Bacharach et Carole Bayer Sager (son épouse à l'époque), la chanson That's What Friends are For a été créée par le chanteur écossais Rod Stewart pour la bande originale du film Night Shift (1982) de Ron Howard. Mais la version la plus célèbre de cet hymne à l'amitié de la décennie 80 a été enregistrée en 1985 par un authentique "All Star band" constitué de Dionne Warwick, Elton John, Stevie Wonder et Gladys Knight, dans le cadre de la lutte contre le sida. Cet enregistrement à quatre voix a remporté le Grammy Award de la meilleure performance pop par un duo ou un groupe.

On my Own (1986) https://youtu.be/KsH63qJlIMM

Juste pour le plaisir et l'émotion, un grand moment de complicité entre deux monstres sacrés de la musique populaire américaine.

Article
www.francetvinfo.fr/culture/musique/pop/burt-bacha…




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3 years ago (edited) | [YT] | 45

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https://youtu.be/aeKH1hkpoiE
www.youtube.com/playlist?list...

"L'Emprise" de Mylène Farmer : un album profondément "farmerien" à l'ambiance "un peu cistercienne"

Mylène Farmer sort vendredi son 12e album studio intitulé "L'Emprise". Un événement très attendu par ses millions de fans. Un disque complètement "farmerien" avec de bonnes surprises.

L'Emprise est "un vrai tournant dans la carrière discographique" de Mylène Farmer, estime Didier Varrod, directeur musical des antennes de Radio vendredi 25 novembre. "Je considère que c'est son meilleur album depuis Anamorphosée", a-t-il ajouté.

>> Mylène Farmer : les cinq raisons de son succès intemporel

L'Emprise est d'abord une production impeccable, avec une vraie patte de Yohan Lemoine (alias Woodkid) à la direction artistique qui donne une identité électronique tubesque à certains morceaux. Les arrangements de Woodkid donnent "du lyrisme et paradoxalement, une sorte d'ambiance un peu cistercienne à cet album. C'est très réussi", estime Didier Varrod.

Pourquoi se priver de ces arrangements somptueux, certes grandiloquents mais tout à fait adaptés ? Et sutout, sur son douzième album, on entend la voix, impeccable, d'une Mylène Farmer dont les aigus agacent souvent, mais qui trouvent sur L'Emprise une justesse insoupçonnée. "Une voix cristalline, maîtrisée, avec une diction qu'on n'avait plus entendue depuis fort longtemps dans ses albums", commente Didier Varrod.

Les fans vont retrouver le plaisir d'entendre les textes de la chanteuse moins cachés derrière les arrangements omniprésents. "On comprend ce qu'elle chante parce que souvent, dans la musique électronique, les voix sont mixées plus en arrière avec beaucoup d'effets, explique le directeur musical des antennes de Radio France. Il y a vraiment cette volonté de faire comprendre les textes de Mylène".

L'emprise, la perversion, l'amour, la mort traversent toujours les textes écrits par Mylène Farmer qui, avec quelques nouveaux tubes pop emballés par Woodkid, peut se lancer confiante dans une nouvelle immense tournée des stades. La mégastar a déjà écoulé 550 000 billets pour sa future tournée à l'été 2023 en France, Suisse et Belgique, avec sept stades complets et six autres dont les dernières places sont en vente, précise son entourage. Et elle sera à l'honneur d'une soirée concert "Version(s) Farmer, sans contrefaçon", dimanche 22 janvier à la Maison de la radio et de la musique. Seize artistes dont Juliette Armanet et Benjamin Biolay reprendront ses titres dans le cadre du festival Hyper Week-end.

🎤 "L’emprise", nouvel album de Mylène Farmer ➡️ "C’est son meilleur depuis ‘Anamorphosée’", estime Didier Varrod, directeur musical des antennes de Radio France. On retrouve une diction qu’on n’avait plus entendue depuis fort longtemps. On comprend ce qu’elle chante."

Alors que paraît L’Emprise, son douzième album studio enregistré avec des pointures de l’électro, Mylène Farmer incarne plus que jamais la star française par excellence, nimbée de mystère et adulée par la jeune scène musicale. À l’aube de sa future tournée des stades, retour sur un phénomène intemporel, garanti sans contrefaçon.

Femme des années 80
Mylène Farmer - 1C’est au printemps 1984 que la douce voix de Mylène Farmer se fait entendre pour la première fois sur les ondes. C’était pour Maman à tort, comptine perverse dans laquelle une petite fille confesse son amour pour l’infirmière qui la soigne. Si la chanteuse (alors comédienne) a été choisie, c’est avant tout pour l’air psychotique (dixit le compositeur et pygmalion Laurent Boutonnat) qu’elle dégageait, en adéquation avec les paroles. Tout de suite, Mylène détonne de ses consœurs. Si Maman a tort s’écoule à 100 000 exemplaires, ce n’est pourtant rien à côté de ce que vendent alors Jeanne Mas, Julie Pietri ou Jakie Quartz. Ce sont elles que le public réclame, jusqu’à la déferlante Libertine, en 1986.

À partir de ce tube, c’est Farmer qui va imprégner son époque. Durablement. Car la future star voit loin. Elle se transforme en rousse incendiaire, chante tous les tabous, écrit ses propres paroles savamment référencées, sur des musiques entêtantes. Elle incarne des personnages dans des clips tournés comme des films et devient une bête de scène dans des shows chorégraphiés et millimétrés. Surtout, sa parole se fait de plus en plus rare : très tôt, elle s’éloigne des médias, se pare d’un mystère mutique et entretient l’absence, ce qui met sa fan-base en transe dès qu’elle réapparaît. Une méthode qu’elle continue de savamment appliquer : il n’y aura qu’une interview accordée au JDD pour promouvoir son douzième album, L’Emprise.

Femme de tête
Mylène Farmer a su très tôt comprendre les enjeux de son époque et a misé sur la liberté et l’indépendance. Autrice, compositrice parfois, productrice, éditrice, elle occupe tous les postes stratégiques et contrôle toute la chaîne de ses albums. Femme de lettres, elle s’aventure sur des terrains alors minés, mais en avance sur leur temps : la liberté sexuelle des femmes (Libertine, Pourvu qu’elles soient douces), le genre (Sans contrefaçon), le féminisme (XXL), le sida (Que mon cœur lâche) ou la compréhension d’un monde en déliquescence (Désenchantée, devenu un hymne dès sa sortie en 1991).

Si la critique était de son côté à ses débuts, elle a parfois été tentée de la vilipender dès qu’elle a commencé à afficher un succès insolent, collectionnant les disques de diamant et les récompenses prestigieuses (trois Victoires de la Musique entre 1985 et 2005, la star ayant alors demandé à être radiée de l’institution). On lui reproche son silence, ses choix tranchés, son goût pour la provocation et son indépendance à tout crin. Ce sera sa force et également ce pour quoi on continue de la suivre aujourd’hui. Depuis la mort de Johnny Hallyday, elle est désormais considérée comme la dernière « taulière » de la scène et les journaux et magazines qui lui manquaient de respect, en viennent à saluer sa longévité, sa capacité de renouvellement et son professionnalisme.

Femme d’influence
Si on l’a souvent comparée à Madonna, Mylène Farmer est aussi de celles qui ouvrent la porte aux autres artistes. Sans elle, Zazie (dont paraît le nouvel album Aile-P, une semaine après le nouveau Mylène) aurait-elle pu percer et suivre l’exemple d’une carrière réglée comme celles des hommes et marquer son époque à son tour ? Jean-Louis Murat, qui a collaboré avec elle sur le duo Regrets, aurait-il eu la carrière qui est la sienne, lui qui était passé de l’ombre à la lumière grâce à ce succès ? Alizée, que Farmer et Boutonnat ont produite alors qu’elle n’avait que 15 ans, aurait-elle pu se faire un nom ?

Aujourd’hui, nombre d’artistes se réclament d’elle ou louent sa carrière. Julien Doré est impressionné par sa présence scénique et son absence de promotion, Damso et Gims rêvent de faire un duo avec elle, Suzane se réclame d’une « génération désenchantée » sur son dernier titre, Juliette Armanet se flatte que l’on compare sa voix avec la sienne, Redcar félicite l’avant-gardisme de Farmer ou encore Pomme, qui a fait de Désenchantée un nouvel hymne, tendance Covid cette fois, avec sa reprise acoustique. Même Angèle s’est approprié ce tube pour la réédition de Nonante-Cinq, Nonante-Cinq la suite.

Femme internationale
Mylène Farmer - 1Très tôt, le public de Mylène Farmer s’est étendu en dehors de nos frontières. Si elle est loin d’être reconnue dans le monde entier, elle est une star en Russie et pays limitrophes où elle chante dans des stades et à guichets fermés. Le succès international de Moi… Lolita d’Alizée et de la reprise de Désenchantée par Kate Ryan, lui ont permis d’être écoutée sur de nouveaux territoires. Elle parle anglais (elle joue d’ailleurs dans la langue de Shakespeare dans le film Ghostland) et a fait des duos avec plusieurs pointures anglo-saxonnes : Seal (sur Les Mots), Moby (avec lequel elle a enregistré une partie de l’album Bleu Noir), Sting (et Stolen Car), Ben Harper (sur une reprise d’INXS), LP (pour N’oublie pas)…

Sur ses albums, elle convie désormais la fine fleur de l’électro. Le DJ Feder a produit et composé une bonne partie de l’album Désobéissance, Martin Kierszenbaum en a fait de même pour le précédent, Interstellaires et pour L’Emprise, elle a demandé les services de Woodkid, Aaron, Moby et Archive. Mylène Farmer, un pont tendu entre toutes les générations et tous les genres musicaux.



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